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El Museo a salas llenas:
Penúltima inauguración del MEC
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En el marco de su quinta inauguración de la programación 2009, el próximo jueves 29 de octubre a las 19.30hs el Caraffa abre sus puertas a seis muestras de notable relevancia a nivel local y nacional que acompañarán al Museo en el mes de noviembre, hasta el 03 de Diciembre. En esta oportunidad, la música estará cargo del Trío de Jazz González, Rigutto y Romano, y de Tinta Madre. Como ya es costumbre, continúa el ciclo de charlas de Conversación con Artistas, presentación de Revista Teórica y las actividades de Educación, dinámicas y pensadas para la participación de nuestros visitantes.
Oscar Suárez - bertacondontormenta (pintura) Sala 1
La pintura de Oscar Suárez camina por un terreno extraño y extremo, construido por la voluntad del artista, quien ha convertido el acto de pintar en un laboratorio de producción de imágenes. La muestra “bertacondontormenta” refleja estas experiencias y búsquedas de Suárez en sus “pinturas instaladas” como el mismo las describe, que son una serie de polípticos realizados en acrílicos. El diseño expositivo cobra un sentido narrativo que invita al espectador a descubrir la obra. Utilizando un proceso de composición que tiene como punto de partida la elaboración de una escena o decorado, registrada en fotos que luego servirán para armar un collage. Y de allí obtiene el modelo que desemboca en un cuadro. Así, Suárez logra un punto de fusión donde confluyen el teatro, el cine y la literatura. En esta muestra se entrelazan destellos pornográficos, detalles cinematográficos, un guiño a una cueca de Carlos Di Fulvio que aporta el título, entre otros hilos y citas.
Candelaria Silvestre - Bucólico (pintura) Sala 2
Una configuración extraña del paisaje y de la fisonomía de la oscuridad ingresan en las obras de Candelaria Silvestro. En las 18 obras que conforman su muestra, realizadas entre el 2008 y 2009, la artista experimenta con diferentes técnicas y lenguajes plásticos sobre el lienzo. Esta serie de obras han surgido en el medio de cuestionamientos, confiesa Silvestro , que me he hecho por primera vez desde que pinto. Sus pinturas arrastran, hacia ellas, una fuerza ancestral actualizada por acto de magia, en su propia intimidad. Las niñas, figuras recurrentes y oraculares, se trasladan en este reino de flores, pavos reales, juguetes y lobos fabulando el espacio de la representación. La mirada extrañada, de algunos de sus personajes, son intensas conexiones entre la parálisis temporal del cuadro y el afuera de la vida que transcurre. En la tensión de esos ojos al acecho, se conforma un relato en suspenso y en el destino de esa naturaleza marginal, opera la lógica de una realidad confusa. Allí, la posibilidad de la evidencia es una cualidad garantizada por el gesto, por la existencia irrevocable de corporalidades vagando en el tiempo y detenidas en el espacio.
Puentes - Córdoba-Buenos Aires (escultura) Sala 3
La muestra Puentes propone desde el momento de su concepción un nexo hacia el pasado, ya que es a partir del proyecto del puente-autoportante diseñado por Leonardo a inicios del siglo XVI, que Niko Gulland, curadora de la muestra, invita a diversos artistas a realizar sus propios puentes. La muestra le propone al visitante recorrer y apreciar no solo las distintas instalaciones y miradas de los participantes sobre el concepto de Puente, incluido el de Da Vinci, sino también del proceso de creación de cada obra a través de la exhibición de los bocetos de los artistas. A la base de las disímiles propuestas presentadas encontramos la idea siempre presente del vínculo, del medio de encuentro y de la conciliación que se construye con el establecimiento de necesarios canales de diálogo. En este sentido, también la amplia convocatoria asume esa dimensión comunicativa que los puentes encierran; artistas de distintas generaciones y geografías presentan propuestas que transitan diversos márgenes poéticos y sustentan en la diversidad del conjunto la metáfora de la unidad.
Susana Lescano, Tulio Romano y Lucrecia Urbano son los tres artistas cordobeses que se sumaron a este proyecto.
Antonio Pio Sarracín - Victory over the sun (instalación) Sala 4
La instalación de Antonio Pio Saracino aborda el espacio a partir del principio constructivo de la repetición; en los paneles fotográficos las figuras humanas revisitan el clásico ideal de belleza mostrando el acto de pasarse de mano en mano una esfera luminosa, invitando al público a recorrer el arco luminoso resultante y a compartir así el hecho simbólico del triunfo de la Luz sobre las tinieblas.
Saracino reelabora la mitología de Occidente mediante las modernas tecnologías. Su campo de investigación es el de esa suerte de “segunda piel” que la tecnología ha generado en el hombre contemporáneo, la extensión de los sentidos que permitió reducir las distancias propagando informaciones en gran medida y velocidad. Frente a esta mutación casi genética de nuestros códigos de comunicación y de aprendizaje del mundo, donde la Tecnología ocupa un espacio que en tiempos remotos estaba destinado a las Divinidades paganas, Saracino se interroga. Y lo hace en el único modo posible, dirigiéndose a los Dioses en la búsqueda de una respuesta, con la conciencia de que los Dioses algunas veces mienten.
José Pizarro - Fantasme per se (multidisciplinas) Salas 5|6|7
La muestra Fantasma per se, de José Pizarro, se compone de diversos géneros discursivos como dibujos y escrituras, pinturas, instalaciones, objetos y fotografías. Según Carina Cagnolo, curadora de la muestra, el fantasma puede ser definido desde su “negatividad intrínseca”, por su carácter espectral. Extrapolando esta negatividad de lo fantasmagórico, las obras se presentan como una especie de metalenguaje de sí mismas, en el que no consiguen aprehenderse en su totalidad. Porque hay algo de inaprensible en las subjetividades ensayadas a partir de la pregunta por la identidad, como también en las ciudades sin nombre y en la confrontación de diferentes modernidades en el lenguaje. Se trata de una dimensión montajística inherente al arte contemporáneo, que es asumida compulsivamente en la obra de José Pizarro sin temor de las fragmentaciones. Entre confrontaciones que construyen desde lo que niegan, como en una instancia afirmativa, la presencia del discurso crítico impone la unidad de la reflexión.
A.M.C. - Automatic moving company (instalación) Salas 8|9
Automatic Moving Company (AMC) es una instalación itinerante que reúne a diez artistas residentes de Córdoba y Buenos Aires en la composición de una maquinaria gigante, compuesto de numeroso órganos mecánicos que funcionan bajo una misma fuente de energía destinada a sorprender a su público.
A partir de precisas pautas de producción, diez artistas generaron diferentes obras. El tiempo, el movimiento, la evolución, los cambios cíclicos y la energía dieron origen a los diferentes procesos de creación de cada una de las obras. Algunas de estas obras podrán ser manipuladas mientras que otras están destinadas exclusivamente a la contemplación.
Los visitantes pueden interactuar con este monstruo artístico que activa y desactiva, con el transcurrir de las horas, todos los mecanismos expuestos.
La muestrainvita a los visitantes a acercarse al reloj central y registrar en una tarjeta de control de personal, al ingresar y al retirarse de la sala, cuánto de su tiempo han invertido en ser parte de esta experiencia colectiva de (re)creación artística. A.M.C. llega al Museo Caraffa luego de presentarse en el Centro Cultural Recoleta de la Ciudad de Buenos Aires y cuenta con la participación de: Gustavo Blázquez (Cba),Valeria Dalmón (Bs As), Alfio Demestre (Bs As), Diego Dubatti (Bs As), Tomás Espina (Bs As), Ian Kornfeld (Bs As), Gerardo Repetto (Cba) , Juan Rey (Cba), Mariano Sivak (Bs As) y Hernán Soriano (Bs As)
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arteBA 08 ::: 29 de mayo al 2 de junio ::: La Rural
Días de feria en baires
Finalizando el mes de Mayo, Buenos Aires fue sede de la 17 Feria de Arte Contemporáneo  Latinoamericano para el mundo. Eventur recorrió las instalaciones y participó de las conferencias. Hacemos extensivo lo más importante de lo ocurrido en arteBA´08. por Ismael Rodríguez
Compendio | Recorrido
arteBA se consolidó como epicentro para el arte latinoamericano: durante cinco intensos días la Feria se convirtió en un foco de negocios, de curadores, críticos, directores de museos e instituciones, galeristas y artistas latinoamericanos. Punto de encuentro y polo turístico, por donde circularon destacadas personalidades de la cultura. En el contexto internacional, arteBA ya es un claro referente para el mercado de arte latinoamericano, y es además, el evento de artes visuales líder en el medio local.
Según las cifras anunciadas por la fuente de Prensa Proa, más de 120.000 personas visitaron la Feria y 18.000 metros cuadrados se ocuparon para tal acontecimiento. Esta edición fue una muestra clara de un evento que conjuga una gran calidad expositiva, un inmenso flujo de visitantes y un éxito notable en ventas. 
La Feria contó con la visita de más de 300 invitados del exterior, entre los que se encontraban importantes coleccionistas y mecenas, directores y curadores de colecciones y museos internacionales, críticos y representantes de los medios e instituciones más influyentes en las artes visuales. El foco llamativo de la Feria fueron las galerías de arte, participaron una gran cantidad de galerías provenientes del exterior (Francia, Estados Unidos, España, Costa Rica, República Dominicana), principalmente de Latinoamérica (Uruguay, Chile, Brasil, Colombia y Venezuela), hecho que permitió mostrar un amplio panorama de lo mejor del arte contemporáneo de la región. Entre las Galerías de Arte Argentinas, "Corazón Cordobés Arte Contemporáneo" representaba a Córdoba, el cual es un proyecto independiente gestionado por las artistas y curadoras Daniela Lamanuzzi y Daniela Dagatti. Dicho espacio contó con obras de distintos artistas como, Gustavo Piñero, Adriana Bustos, Ananké Asseff, entre otros.
 Otros sectores sin desaprovechar fueron el Barrio Joven Chandon, 20 propuestas que se destacaron por su originalidad, riesgo y búsqueda de experimentalidad sin perder vista al mercado. Uno de los proyectos pertenecía a Córdoba con el nombre de "Loba Producciones", la cual tuvo una muy buena calidad de obras artísticas en exposición. Además, participaban de la Feria, los 9 espacios del proyecto Caja Negra Cubo Blanco - Espacio de Videos patrocinado por Converse, que dieron muestra de lo mejor de un lenguaje cada vez mas utilizado; la segunda edición del OPEN SPACE, un espacio dedicado a obras de gran formato o instalaciones.
Auditorio | La Visibilidad y Experiencias
Uno de los aspectos para destacar en la Feria fue, sin dudas, el programa del auditorio  con la hora Prime Time de las 18 hs, que contó con la curaduría de Cuauhtemoc Medina en las tres primeras mesas y de Rosa Olivares en la mesa de cierre del Programa.
La visibilidad del arte latinoamericano en el mundo y el relato de las actividades que realizan y ejecutarán en un futuro las distintas organizaciones que ocuparon el panel, fueron las temáticas que más se tocaron en las mesas del auditorio. Una de las exposiciones para resaltar fue Daros-Latinamérica, anunciando su proyecto para el 2009 de un gran establecimiento dedicado al arte latinoamericano con sede en Rió de Janeiro. Se trata de la restauración de un edificio, antes utilizado como orfanato.
ARTE CONTEMPORÁNEO
Grand Tour a través de Europa
Este viaje iniciático al corazón del arte del presente, surge a partir de una coincidencia de eventos que se produce cada diez años. La Bienal de Venecia, Documenta de Kassel y la Feria Art Basel, recorridas por un cronista de Eventur.
Textos y Fotos: Humberto Sosa
Art Basel: Epicentro del mercado
Es difícil imaginar una ciudad en la que los titulares de los periódicos hablen día a día sobre arte contemporáneo, los precios de una venta o alguna celebridad que compró tal o cual obra. Este es un síntoma elocuente del remolino que durante una semana afecta a Basel, una muy tranquila ciudad de la Suiza "francesa". La feria Art Basel ofrece un nivel y categorías únicos en lo que respecta al nivel de obras: es la oportunidad de ver trabajos con cualidades históricas (Picassos, Oiticica o Basquiat) por doquier, hasta las nuevas y futuras estrellas del mercado internacional (Kuitca, Yang Fudong, Julian Opie). Los precios sorprenden, y es que Art Basel es ante todo un evento comercial donde las galerías de París, New York, Shangai y Moscú presentan sus mejores valores y operatorias de mercado califican (y descalifican) las expectativas de inversionistas, museos, artistas y demás. Pero que gracias a sus eventos especiales (muestras urbanas, seminarios, etc) sus museos, y siete ferias colaterales, generan un hecho cultural de altísimo nivel. Y también, ciertos nombres que se dan en Venecia (una muestra no comercial) aparecen aquí al alcance de los que tengan alcance.
Los costos (altísimos en euros) hacen prácticamente nula la presencia argentina, (ninguna galería y una decena de artistas). En Balelatina, uno de las ferias paralelas a Art Basel, encontramos dos galerías y más presencia nacional.
Documenta 12
La Documenta es un espacio de experiencia. Un campo de fuerza que se extiende en Kassel, una apacible ciudad en el centro de Alemania que fue bombardeada durante la guerra, y que ha reconstruido edificios neoclásicos y castillos con bellos parques. Cada espacio representa un siglo, una noción de público y una noción de lo que significa contemplar el arte, y es en estos lugares donde se desarrolla la muestra: el arte contemporáneo en simbiosis (y compitiendo muchas veces) con una arquitectura muy fuerte. Documenta 12 muestra arte de las más dispares geografías y épocas. Recoge obras de su ámbito original y las transporta a Kassel, pero no intenta trasladar los contextos locales con ellas. La exposición se ofrece como un hábitat nuevo y decididamente artificial en el que las obras no se relacionan de modo didáctico, sino siguiendo una relación estética entre ellas. Arte social y obras de marcado formalismo fomentan la contemplación y el aprendizaje a partir de su carácter concreto y experimental. Y también desconciertan si no se posee el caudal de información para su acceso. Quizá el gran problema de esta exhibición.
Kassel es el punto de una masiva recepción de aficionados de todo el mundo, tamizado por el halo intelectual que siempre caracterizó este evento: el mundo del arte observa atentamente las emisiones que emergen de las expresiones que aquí se presentan cada 5 años.
Esta muestra selecciona un diferente director artístico cada vez, que a su vez genera sus interrogantes, buscando contestar si la humanidad puede reconocer un horizonte en común en el medio de las diferencias, y si el arte puede ser el medio para acercarse a ese objetivo, y si es la modernidad nuestra antigüedad. Esta especie de brainstorming global procura transformarse en un debate internacional, que busca sus respuestas durante los 100 días que dura la muestra
Final caja blanca
La experiencia del arte es siempre la experiencia de un contexto vital, de una relación particular del individuo, la sociedad y el entorno. Para intentar observar de forma sobria y objetiva esta relación (aunque podría ser la hora de redefinirla) necesitaremos de un medio que nos sustraiga de nuestros contextos vitales inmediatos. Esto no es el arte en sí, sino la experiencia del arte: el encuentro con esa dimensión que comienza donde termina el significado. El Grand Tour, los viajes y el arte posiblemente nos señalen rumbos, pero la experiencia siempre dependerá de nosotros.
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ARTE | ESCULTURA
El hombre detrás del toro
El escultor Manuel Solís nos recibió en su taller de Villa Allende. Su obra, las mujeres y su viaje a México en noviembre fueron algunas de las cosas de las que charlamos. Por Daniel Sosa Caba.
Lejos del imaginario colectivo de que el taller de un artista debe ser un lugar muy loco y desordenado, el centro de operaciones de Manuel Solís en Villa Allende nos recibió impecable, con Isaac Albéniz de fondo. Quizás es la condición de escultor la que lo obliga a mantener cierto orden por la cantidad de herramientas y el material con el que trabaja: hierro y acero inoxidable. Sin embargo, dice que durante sus 71 años de vida siempre fue ordenado en su vida y eso lo trasladó al taller.
Su abuelo se dedicaba a la fabricación de máquinas de soldar, razón por la cual antes de llegar a los 10 años ya sabía cómo utilizar un electrodo. El mismo destino le tocó a él al fallecer su maestro de vida, debiendo en un momento de su vida elegir entre el arte y la industria. Demás está decir que eligió el arte y a través de él conoció a su segundo maestro, Mario Rosso, quien lo guió en la definición de su obra desde los primeros años de su carrera en la Figueroa Alcorta.
La paradoja de la vida que hoy lo acompaña se vincula directamente a su figura más trabajada: el toro. Allá por 1971 Solís cursaba el segundo año en la Escuela Provincial de Artes con Mario Rosso. En el desarrollo de su primer trabajo importante descubre la forma del toro. Rosso siente, como los maestros, que el trabajo del joven es obra. Ese mismo año gana el Gran Premio de Honor de Río IV y ese toro actualmente forma parte del museo de esa ciudad.
Hoy, 2007, Manuel Solís es el único argentino invitado al Simposio Internacional de Escultura en Acero Inoxidable en México, desde el 8 de noviembre. ¿Gracias a quién? Al toro. Se lo nota entusiasmado por el viaje y por el desafío de abrir su taller tan lejos de casa, acostumbrado a hacerlo todos los años al aire libre en los alrededores de la plaza de Villa Allende junto a sus colegas.
Por todo lo dicho, el toro se ubica primero en la obra de Manuel Solís. Además, existe una relación del metal, material duro, difícil de trabajar y agresivo para con el hombre, con el toro. Pero lo más cautivante son las mujeres. Bellas, modernas, sufridas, sexuales. Pareciera que cada escultura tiene feedback sobre sí misma. Es decir, la musa de carne y hueso que inspiró a trabajar el metal desemboca obligatoriamente en otra musa de metal que es capaz de continuar la secuencia, convirtiéndose en la primera (pero en términos simbólicos). Algo así como una semiosis infinita.
Solís se prepara ahora para viajar solo. Seguimos hablando. Tomo nota de todo. Es mucho y muy interesante. Lo voy a poner todo en el portal. VER ENTREVISTA COMPLETA AQUÍ.
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ARTE CONTEMPORÁNEO
 UN NUEVO ESPACIO PARA LATINOAMÉRICA
A partir del 2008, Rio de Janeiro abrigará las más grande colección de arte de latinoamérica, y un lugar inédito para el intercambio entre los artistas y el mundo del arte.
Por Humberto Sosa
A partir de 2008, Rio de Janeiro albergará una nueva sede para el arte contemporáneo latinoamericano : la casa Daros. En ella se exhibirán las piezas de la colección Daros-Latinamerica, institución radicada en Zurich, (Suiza), que desde el año 2000 ha logrado reunir la mayor colección de arte latinoamericano de Europa y cuenta con cerca de 1000 trabajos de unos cien artistas, desde los años 60 hasta hoy.
 Muchos de estos trabajos, en diversos formatos como esculturas, pinturas, dibujos, fotografías, videos e instalaciones, con preponderancia en las de naturaleza conceptual, pertenecen a argentinos: Jorge Macchi, Guillermo Kuitca, Julio Le Parc,
Ernesto Neto, Globiobabel nudelioname landmoonaia,
2000, Colección Daros-Latinamérica
Nicola Costantino, Gyula Kosice, Victor Grippo, León Ferrari, Marcos López y Marta Minujin, entre otros. También están los brasileños Ernesto Neto, Lygia Clark y Rosangela Rennó, la colombiana Doris Salcedo y el chileno Alfredo Jaar entre otros grandes nombres, además de nuevos talentos.
Para transformar el gran edificio neoclásico del siglo XIX de 12.000 metros cuadrados ubicado cerca del mítico cerro Pan de Azúcar, en la futura Casa Daros ha sido comisionado Paulo Mendes da Rocha, el gran arquitecto brasileño que en el 2006 recibió el prestigioso Premio Pristzker, La Casa Daros será un espacio no sólo para la difusión de esta colección, sino también para la discusión y experimentación del arte latinoamericano. Por medio de sus actividades, Daros Latinamerica quiere transmitir al público una mejor comprensión
Guillermo Kuitca
Untitled (kindertotenlieder) 2000
Colección Daros-Latinamérica
del arte, documentando las distintas corrientes de los últimos 40 años y toda su evolución y estableciendo el intercambio permanente entre obra, artista y público.
Cildo Meireles, Missáo, missoés
(How to build cathedrals), 1987
Su objetivo primordial es contribuir a que el arte latinoamericano pueda desarrollar y fortalecer su posición tanto por su calidad.
Una alta exigencia de calidad en cuanto a planteamiento museístico y político cultural: se centra en la investigación el cuido de obras y la ampliación metódica de su colección. De manera sistemática, incluye obras en la colección que  revisten un significado especial. Es así que la colección se interpreta así misma como un “trabajo en curso”, ya que se encuentra en constante evolución y exploración.
Mas info: www.daros-latinamerica.net
Valeska Soares, Vanishing Point, 1998
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REAPERTURA DE GALERÍA ESPACIOCENTRO
IV OUTLET DE ARTE CONTEMPORÁNEO
 La Galería de Arte Contemporáneo Espaciocentro reabre sus puertas luego de un receso por vacaciones y vuelve con el VI Outlet de Arte Contemporáneo donde el costo de las obras va desde los $ 50.
Destacados artistas de todo el país exponen sus obras, entre ellos se encuentran: Remo Bianchedi, Lucas Di Pascuale, Rubén Menas, Gustavo Piñero, Juan Longhini, Mario Grinberg, Pérez Celis, Manuel Quiroga, Claudia Perrotta, Juan Juares, Laura del Barco, Fabhio Di Camozzi, Soledad Sánchez Goldar, Cecilia Irazusta, Pablo Scheibengraf, Pía Urbinatti, Viviana Murina, Constanza Gianola, Maite Saine, Fernanda Almanza, Alan Quevedo, Héctor Romanzini, Isabel Caccia, Yanina Ottaviani, Ana Gallici, Silvia Germán, Oscar Páez, Ramiro Vázquez, Andrés Silva Sle, Pablo Baena, Juan Canavesi, Lilia Filloy, Manuel Coll, Alejandro Cides, y Federico Ballester.
Además hay un sector del outlet dedicado a Jorge Cuello, que presenta su última producción artística llamada "Al pie del escalón" y otro a "Acuarelas", con obras de artistas como Camilloni, Cárrega Núñez, Bonome, Cursi, Samper, Borgarello y Videla.
El Outlet se puede visitar en Espaciocentro, 9 de Julio 305, Córdoba, de Lunes a Viernes de 10:30 a 20:30 y los Sábados de 10:30 a 13:00.
Arriba: De Niño, Remo Bianchedi. Dibujos realizados en técnica mixta sobre cartón. 43 x 23 cm.
Derecha: Paisaje Urbano, Luis Videla. Acuarela.
Venecia: Madre de Bienales
El primer impacto en Venecia, es el privilegio de saberse atravesando su aura y su ancianidad. Es un estado íntimo, personal, pero que el visitante empieza a detectar en cada uno de los miles de turistas que se desplazan por toda la ciudad. Quizá un flash digital de una cámara ajena logre despertarnos de este embelezo masivo y buscar una experiencia mas aislada. Situación mágica que, por suerte, Venecia ofrece a cada paso. La Bienal de Arte es una de ellas.
La Bienal de Venecia es la madre de todas las manifestaciones del género. Fue la primera y es la más grande y vieja de todas. En su edición 52 ofrece los envíos "nacionales" (donde los países se ponen en evidencia a través de sus mejores artistas) con la participación de 74 países en pabellones de singular arquitectura diseminados en un gran parque llamado Giardini. Al no ser suficientes para todas las representaciones, el resto se redistribuyen a lo largo de la ciudad en diferentes palacios o institutos. Lugares fabulosos y olvidados, muchas veces difíciles de ubicar y de laberíntico encanto.
Pero en paralelo con las muestras nacionales se combina la exposición internacional, por primera vez dirigida por un curador americano (Robert Storr). "Piensa con los sentidos, siente con la mente" es la consigna que rige el evento, con la idea de sensibilizar al público frente a la diversidad de las percepciones, de las emociones que ofrece el arte" .
Acompañando las realizaciones de la Bienal, una multitud de eventos y muestras de gran nivel, se suceden sin
pausa en los días de apertura.
El gran riesgo de Venecia es la dispersión. Tanto estímulo simultáneo, en una aceleración de oferta artística y vivencial, se contrapone contra el goce sereno de cada puentecito, callejuela o canal de maravillosa arquitectura. -------------------------------------------------- |
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Gustavo Piñero / Hasta el 17 de marzo en el CCEC
Los hijos de las estrellas
El artista cierra el año con una muestra individual.
El artista plástico Gustavo Piñero le contó a Eventur sobre la muestra que presentará el 15 a las 19:30 en el España Córdoba. La misma trata sobre su realidad personal, la historia colectiva y su mirada sobre la violencia y el hombre, la importancia de la memoria y la manipulación que se hace sobre la misma.
"Los hijos de las estrellas
¿Qué distancia hay entre el mundo real y lo irreal para vos?
Difícil ya es vivir entre la realidad y la irrealidad como para intentar tomarle distancia, por ahora me contento con seguir en la fila. Cuando me canse voy a pedir permiso para salirme.
¿Cómo llegás a describir el lado oscuro de la realidad?
Describo el lado de la realidad que veo, por momentos va a ser oscuro y por momentos claro. Si la violencia, el odio o la muerte se imponen creo que el solo hecho de hacer un acto creativo es de por sí un acto de esperanza.
Alguien que nunca vio a Piñero, ¿cómo debe leer tu obra?
No me interesa un mensaje demasiado cerrado, o sea, no quiero transmitir algo que tenga una sola lectura. Mi idea sobre las obras es que nos creen dudas que nos lleven a la reflexión y que cada espectador busque de acuerdo a su propia experiencia personal el mensaje que esa obra le transmite.
muestra el diálogo que se crea entre la reflexión racional y el imaginario popular; la creencia infantil de creer que si alguien muere nos contempla desde la estrella más brillante y saber que la imagen que nos llega de una estrella, es de una estrella que quizás ya no existe", expresa. A Piñero le interesa "crear una tensión entre una realización ingenua y un mensaje dramático, o entre diferentes lenguajes visuales."
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Muestras simultáneas en el Genaro
La inauguración de las Muestras Simultáneas de Eduardo Lascano "Lo que no queremos ver" y de Ramiro Palacio "Re-Ligar" se llevó a cabo el día jueves 16 de noviembre, en el Museo Dr. Genaro Pérez. Las exposiciones permanecerán abiertas hasta el jueves 14 de diciembre pudiendo visitarse de martes a domingo de 9 a 21 hs.
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Eduardo Lascano plasma en la muestra "Lo que no queremos ver" su desasosiego frente a la destrucción de la naturaleza, a la vertiginosa escasez de agua potable, al insensato desmonte y a la irracional cesión de nuestros recursos naturales. El artista prefiere internarse en un tema, profundizarlo e interrogarlo sin cesar, antes que cambiar su imagen al ritmo de los tiempos y las modas. El universo plasmado por Lascano está cargado de tensiones e incertidumbres.
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Ramiro Palacio,
en la Muestra "Re-Ligar", da su visión íntima de la unión y comunión del hombre con la naturaleza y su entorno, la relación con la religión en el sentido originario del re-ligar. Indaga, profundiza y se sumerge en la cosmovisión del hombre precolombino y en la sacralización de los fenómenos naturales, interrogando así sobre la construcción del pensamiento de este hombre antiguo. La naturaleza como contenedora y contenido del individuo, madre tierra divina y esencial, sagrada y fuente de vida.
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Museo Caraffa
Pérez Celis, color y comunicación
Hasta el 12 de noviembre se puede visitar la muestra que recorre el crecimiento de la obra del colorista más importante del país.
La muestra integrada por 50 obras recorre el trabajo de Pérez Celis a lo largo de medio siglo. Considerado el colorista más importante del país y del mundo, después de Shagal, según afirma Marcos Aguinis, el artista hace mucho hincapié en la comunicación en general, él, su obra y su público. Durante y después de la inauguración firmó y conversó con los visitantes al museo que lo saludaron y se sacaron fotos.
Pérez Celis no sólo es el artista que más veces expuso en el exterior sino que contiene en su producción más de 5 mil obras.
 
A pesar de vivir en Miami, el muralista pasa mucho tiempo en Argentina. Tal es así que ésta muestra es parte de un circuito por varias ciudades importantes del país.
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Carmen Buteler
Travesía creativa
Artista inquieta y observadora, Carmen Buteler recorre distintos lenguajes plásticos, diferentes técnicas y soportes con una ductilidad y talento admirables. La muestra Travesía Creativa, del ’90 al 2006, reúne 25 obras representativas de su amplia trayectoria y nos permite disfrutar de un viaje sensorial por diversas series pictóricas realizadas por Buteler.
 
Organizada por la Galería de Arte Córdoba, la inauguración de la muestra de pinturas se realizará el viernes 10 de noviembre a las 20:30 en el Salón Principal del Hotel Dr. César Carman ubicado en Av. Sabattini 459.
La exposición permanecerá abierta hasta el 30 de noviembre, pudiendo visitarse diariamente de 10 a 20.
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María Eugenia Castelli
Yo Genero
Desde el 31 de octubre se puede ver en Vía Margutta la exposición de pinturas, objetos y técnicas mixtas de María Eugenia Castelli, Yo genero. Los objetos están realizados sobre un material plástico irrompible llamado PET y son presentados al público por primera vez, además de 13 pinturas de gran tamaño. En Yo genero, Castelli plasma el pensamiento como generador de lo que ocurre al punto de que va moldeando nuestra realidad y futuro: "Descubrí la fuerza de cada pensamiento puesta en acción y quisiera poder comunicarlo a los demás", aclara. Hasta el 30 de noviembre en Sucre 178.
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Archivo: Eventur nº 2 - Octubre 2006
Pequeño Bambi
Punk dulce y violento
Presentado como el “resultado de una creación mediática”, Pequeño Bambi se configura como una estrategia de colaboraciones múltiples: es un grupo de rockstars “divinizado”, que indaga en los límites entre ficción / simulacro / verdad, mediante acciones performáticas que incluyen recitales, entrevistas en medios masivos, la creación de un grupo de fans ficticios, etc. El resultado es una mixtura con carácter de espectáculo, una contaminación de formas y gestos culturales que van desde el punk al kitsch.
Bajo la dirección general de Karol Zingali, el grupo viene interviniendo en la escena artística desde 2004. Este año impactaron con la presentación de dos performances ficcionales: ¿Quién mató a la mamá de Bambi? en Arte-ba y Había una vez un horrible arco iris/ Tour 06, en el Museo Caraffa.
Coro punk
Pequeño Bambi busca formar su coro punk. La inscripción es vía mail a bambipunk@gmail.com. Habrá audiciones (pero no eliminatorias) y la presentación será el jueves 12 de octubre a las 20:30 en el Centro Cultural España Córdoba, en el marco del ciclo “Casa tomada”. Más información en bambipunk.blogspot.com
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Proyecto: Sentir la Historia
Primer Museo para ciegos
Ya está en marcha el proyecto Sentir la Historia realizado por el Departamento de Extensión Educativa y Cultural del Museo Jesuítico de Jesús María a cargo de la profesora Ana Maria Salgado. El objetivo es lograr una constante inclusión e integración de la sociedad en el conocimiento, aprendizaje y difusión de los valores históricos y de la riqueza cultural que posee este Patrimonio Cultural de la Humanidad. El 20 de septiembre se inauguraron dos salas adaptadas con paneles sensitivos especialmente realizados para el público con discapacidad visual. Este proyecto implica: paneles con temática histórica, arqueológica Arte Sacro referidas a los visitantes:
La adaptación incluye textos en Braille como así también imágenes en relieve para su reconocimiento táctil, que incluyen planos del museo, guardas indígenas, figuras religiosas, etc., entre las casi treinta figuras que conforman el recorrido.
El proyecto intenta promover el trabajo conjunto tanto de los medios como de las entidades provinciales y nacionales bajo el mismo objetivo: enseñar a querer para valorar nuestras raíces identitarias, las que nos dejaron un legado por proteger: nuestro patrimonio histórico.
El siguiente paso será una adaptación para visitantes con discapacidad auditiva por lo que se capacitará al personal del Museo en lenguaje de señas.
Para mayor información se puede llamar al Museo Jesús María, teléfono (03525) 420126.
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